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 L’ avènement de la guitare électrique.
50 ans d’histoire. 1920/1970:
Catalogue de l'exposition. 2éme partie

14 octobre 2023 -13 janvier 2024
Cordaneum, Rue de la Station 4, 6900 Marloie (Marche-en-Famenne)
Avec l’avènement de la guitare électrique comme fil rouge, nous allons voyager à travers le monde fascinant des instruments à cordes pincées, de 1920 à 1970. Au cours de cette période d’un demi-siècle, on recherche un volume sonore plus important pour la guitare, ce qui a pour consequence que cet instrument supplante le banjo, le ukulélé et la mandoline en popularité. Les développements les plus importants ont eu lieu en Amérique, à Chicago, qui est le centre, tant de la vie musicale,  que de la production et de la distribution de la guitare populaire.

Kay "Old Kraftsman" Modéle  "K 161", surnommé  "Thin Twin", fabriqué pour le grossiste Montgomery Ward, vers  1954.
Après Harmony, Kay était le producteur le plus important aux États-Unis. Leur modèle "K 161", surnommé "Thin Twin", s'est fait connaître grâce aux grands noms du blues tels que Howlin' Wolf et Jimmy Reed. La K 161 était sans aucun doute la Kay électrique la plus connue et la plus réussie des années 1950. Créé en 1951, il fut produit jusqu'en 1959. Dans les catalogues Kay, il était appelé "Thin Twin", en référence aux deux micros à lame fine, qui sont en fait de gros "single-coil" partiellement cachés sous le pickguard, avec seulement le dessus visible. Ces micros sont en partie responsables du son solide caractéristique du K161, mais la construction en bois fait le reste. Le corps creux comporte deux barres de bois parallèles assez robustes qui traversent le centre sous les micros, réduisant ainsi le feedback et offrant du sustain. Plus de six ans après Kay, Gibson utilisera une structure intérieure similaire pour son modèle à succès: le "ES335". La version "Old Kraftsman" présentée ici - réalisée pour le grossiste Spiegel - était au moins aussi luxueuse que la version Kay elle-même : un corps en érable flammé, des éclisses en acajou et une table plate en épicéa, un chevalet en palissandre et des mécaniques Kluson Deluxe. Le pickguard en écaille de tortue sert de base au sélecteur à trois voies et aux quatre potentiomètres.

Catalogues des "mailorder companies".
 À peu près tout pouvait être commandé via les catalogues des "wholesalers" comme Sears et Montgomery Ward: vêtements, appareils ménagers, armes et aussi… instruments de musique. Toujours après la Seconde Guerre mondiale, des sociétés comme Harmony, avec une production d'environ 1 000 guitares par jour à un moment donné, et dans une moindre mesure Kay, Danelectro, Valco et Regal, disposaient d'un marché stable pour leurs instruments bon marché et leurs instruments de qualité intermédiaire. Les grossistes ont proposé des noms particuliers pour commercialiser leurs instruments. Ainsi, les guitares Kay, Harmony, Danelectro et autres portaient toutes la marque "Silvertone" lorsqu'elles apparaissaient dans le catalogue Sears, ou "Airline" dans le catalogueur Montgomery Ward, et ainsi de suite. Kay, par exemple, a fabriqué des guitares sous son propre nom ainsi que sous la marque "Silvertone" pour Sears, "Sherwood" et "Airline'"pour Montgomery Wards, "Old Kraftsman" pour Spiegel, "Custom Kraft" pour St. Louis Music, "Truetone" pour Western Auto, "Penncrest" pour JC Penney. , etc. Ce phénomène, aussi déroutant soit-il, explique pourquoi certaines marques sont surreprésentées dans cette collection, par rapport à d'autres marques plus connues, comme Fender, Gibson, Gretsch...

4. Les autres acteurs
sur le marché
Parmi les autres fournisseurs de Sears en dehors de Chicago figuraient Danelectro et plus tard la marque japonaise Teisco. Les guitares Mosrite de Californie étaient populaires au Japon et la présence américaine en Allemagne a accru la demande de guitares électriques en Europe.

"Silvertone" amp-in-case modèle "1457" par Danelectro, Neptune vers 1964.
Les modèles "amp-in-case" de Silvertone des années 1960 sont aujourd'hui fréquemment prisés par les collectionneurs. Avant la sortie du modèle "1457" en 1964, Danelectro avait déjà vendu depuis le début des années 1960 des guitares avec des amplis intégrés dans les étuis noirs, notamment les "1448" et "1449" . Le "1457" était le modèle haut de gamme avec une guitare électrique "redburst" à deux micros avec des "accents de couleur argent étincelant". Il comprenait une pédale et un cordon. L'ampli intégré avec 3 tubes et un haut-parleur de 8 pouces (20 cm.) avait des commandes de volume, de tonalité, ainsi que pour l’intensité et la vitesse de l’effet trémolo. Il pèse environ 27 livres. Les amplis Silvertone apparaissent souvent dans les greniers aux États-Unis et s'avèrent très utiles, en particulier pour les sons bluesy. Vers 2005, Mick Jagger s'en servait dans les concerts des Rolling Stones.

Silvertone amp-in-guitar modèle "1487" par Teisco, le Japon vers 1965.
Cette guitare Japonaise transistorisée est en fait la version pour Sears de la Teisco TRG-1, introduite en 1964. Elle a été la première guitare à disposer d'un amplificateur et d'un haut-parleur intégrés. Cette guitare remarquable était disponible dans un nombre déroutant de variantes. La version "Silvertone" de 1964 présentée ici a un corps asymétrique, une tête carrée de style "Bizarro Strat" et des incrustations rectangulaires près du bord de la touche . La majeure partie de la face de la guitare était recouverte d'un grand pickguard en métal, doté d'un micro bicolore et d'un petit interrupteur marche/arrêt coulissant pour l'ampli. En position off, la guitare jouait comme une guitare électrique normale. Des fentes de grille horizontales ont été découpées dans le pickguard, derrière lesquelles se trouvait un haut-parleur de 3 pouces (8 cm.). L'ampli fonctionnait avec deux piles de 9 volts installées à l'arrière. La TRG-1 était une guitare étonnante et tout collectionneur d’instruments électriques qui se respecte devrait en avoir une.

Mosrite "Mark IX", Jonas Ridge (NC) 1992.
 La société Mosrite a été fondée par Semie Moseley à Bakersfield, en Californie,  en 1952. Ses guitares, y compris celle présentée ici, étaient connues pour leur design innovant, leur belle ingénierie et leurs micros à haut rendement. Le trémolo Vibramute est de loin supérieur au système Bigsby que de nombreuses entreprises utilisaient à l'époque. Les guitares Mosrite étaient populaires au Japon. Ce n'est pas un hasard car les Ventures et plus tard par les Ramones, des groupes qui ont connu leurs plus grands succès au Japon, jouaient tous des Mosrites. Leur popularité y est restée très forte et de nombreuses entreprises ont fabriqué des guitares inspirées de celles-ci. La gamme de guitares "Ventures" de Moseley est généralement considérée comme le produit phare de l'entreprise et cette Mark IX de 1992, l'une des dernières Mosrites jamais fabriquées, est presque identique. Les guitares Mosrite sont difficiles à trouver, chères, et la qualité des originales est toujours restée très respectable.

Framus Americana, modèle "5/136", Bubenreuth vers 1960.
La présence américaine en Allemagne a fait augmenter la demande de guitares. Des sociétés allemandes telles que Höfner et Framus sont passées à la fabrication de guitares peu après la guerre et ont fait des affaires en or, y compris au Royaume-Uni avec les Beatles comme principaux représentants.
La société Framus a été fondée à Erlangen en Allemagne de l'Ouest en 1946. Bientôt, l'usine a déménagé à Bubenreuth, à proximité, et a évolué vers la fabrication de guitares. Produite entre 1958 et le milieu des années 1960, l’"Americana" est un oiseau rare qui n’apparaît même pas dans les catalogues originaux de Framus. Cet archtop léger a un corps assez petit proche de la Gibson Les Paul. L'utilisation d'épicéa et d'érable pour la table et le fond la rend très similaire aux modèles "Club" de Höfner, le plus proche concurrent de Framus en Allemagne.  De ce fait, et aussi  par son ouie en forme de ‘S’, il illustre la tradition luthière du quatuor dont il est issu.  Le manche en acajou est doté du cache-truss-rod typique de Framus. Le pickguard en métal flottant noir avec deux micros intégrés produit un son vintage chaud et gras.


Troisième partie (à l'arrière de la salle au 1er): Les innovateurs

1. Mario Maccaferri
L'Italien Mario Maccaferri est célèbre pour sa guitare swing manouche typique, conçue en 1923 pour le distributeur Selmer à Paris et appréciée du guitariste Django Reinhardt. Moins connues sont les activités ultérieures de Maccaferri en tant qu’inventeur et homme d’affaires fermement convaincu du plastique.

Guitare Maccaferri modèle "G30", New York 1953.
En 1953, Maccaferri présente une guitare archtop, le modèle G40, fabriquée à partir du type de plastique qu'il a toujours privilégié : le Dow Styron. Bien que ces instruments ressemblent à première vue à des jouets, le créateur les considère comme des instruments à part entière. Andres Segovia, le grand maître de la guitare classique, en a même fait la promotion. Les contours du corps et de la tête ont été copiés du design à succès de Mario pour Selmer, tout comme le chevalet et le cordier. Le G40 fut bientôt suivi par une version flattop, le G30. Tout comme son prédécesseur, il avait un dessus couleur crème et un fond marbré. La simplification du chevalet et du cordier visait à réduire le prix, mais au final ni le G30 ni le G40 ne se sont bien vendus. Néanmoins, en raison de leur conception et de leurs matériaux originaux, ainsi que de leur importance dans l'histoire de la guitare, ces instruments peuvent être trouvés dans d'importants musées comme le Metropolitan de New York et le Museum of Fine Arts de Boston.

Guitare Maccaferri modèle "G30" de démonstration, New York 1953.
La G30 n’était pas une guitare jouet. Le désir de Maccaferri de fabriquer des guitares décentes en plastique devient évident lorsqu’on regarde leur construction. Les G30 et G40 étaient équipées de mécaniques à engrenages, les barres de renfort de la table étaient en bois et la hauteur du manche était réglable de par un boulon à travers l'extension en aluminium du manche. Et pourtant, même l’utilisation du bois et de l’aluminium n’a pas pu empêcher ces instruments en plastique de se fissurer et de devenir parfois inutilisables avec le temps. Cependant, Maccaferri n'a pas abandonné facilement l'idée et, encore en 1989, il a fièrement, mais toujours sans succes, sorti un violon en plastique.  Pourtant, il avait fait fortune pendant la seconde guerre mondiale après avoir vendu des pinces à linge en plastique et d'autres ustensiles. À la fin de la guerre, il avait commencé à fabriquer des anches en plastique pour instruments à vent et à partir de là, il utilisa ce nouveau matériau pour produire non seulement des appareils d'interphonie, mais aussi des guitares, des violons et d'autres instruments. Il a vendu plus de 9 millions de ukulélés en plastique entre 1949 et 1969.

2. Leo Fender
Leo Fender était avant tout un bon entrepreneur qui développait des idées existantes et les mettait sur le marché au moment opportun. En tant que réparateur de radio dans les années 1930, ses clients comprenaient des guitaristes de lap steel (guitars hawaïennes) qui se plaignaient des défauts de leurs instruments, et il commença alors lui-même à construire ce type de guitares. Avec l'Esquire de 1950, rebaptisée plus tard Telecaster, la Precision Bass de 1951 et la Stratocaster de 1954, il a largement déterminé le son de la musique pop.

Fender "Stratocaster", Fullerton, 1954.
En 1949, Leo Fender avait construit le prototype de son "Esquire", plus tard rebaptisé Telecaster,avec une "caisse de résonance" en bois massif. L’idée n’était pas neuve. Les guitares hawaiiennes électriques avaient presque toujours eu des corps massifs et, depuis les années 1930, il y a eu les “solid body Spanish guitars” comme on les appelait, fabriquées par Rickenbacker et d’autres.
Fender a créé un instrument fiable mais abordable en utilisant de bons matériaux tels que l'érable pour le manche et le frêne des marais (swamp ash) pour le corps, ainsi qu’en simplifiant les processus de fabrication de guitares traditionnelles, en utilisant des manches boulonnés avec des têtes plates et des corps profilés avec des surfaces planes. La Stratocaster qu'il développa en 1954 devait devenir la version la plus élégante et techniquement améliorée de la Telecaster, avec une forme de corps ergonomique, un vibrato et trois micros. L'électronique a été améliorée, offrant un choix illimité de sons, et la finition bicolore sunburst a donné à l'instrument une apparence classique. Les guitaristes  Buddy Holly, Carl Perkins, Ike Turner et Hank Marvin ont contribué au succès de cette guitare emblématique.

Copie récente d’une Fender “Precision Bass” de 1957.
La Precision Bass a été développée en tant qu’alternative compacte à la contrebasse que Fender appelait ironiquement la "niche à chien". Cette basse électrique n'est pas une invention de Fender lui-même, mais un concept basé sur une idée de l’inventeur Paul Tutmark de 1937. La première unité commerciale de la Precision Bass a été produite en octobre 1951. Elle avait un corps en frêne "en dalle" (les bords légèrement arrondis) avec deux" cornes" qui offraient un meilleur équilibre, appliqués ensuite à la Stratocaster aussi, un manche d’une seule pièce en érable fixé au corps par quatre vis, un seul micro et deux pontets. Initialement, elle empruntait plusieurs caractéristiques à la Telecaster, notamment la forme de sa tête et du pickguard, ses deux potentiomètres, ses deux boutons de commande chromés en forme de dôme, sa prise de sortie et ses boutons de sangle. Plus tard, la forme ergonomique des côtés du corps, le contour du pickguard et de la tête  penchaient plutôt vers le design de la Stratocaster. L'une des caractéristiques les plus importantes de la Precision Bass était sa longueur de diapason, que Leo Fender, après un examen attentif et de longues expérimentations, a fixée à 34 pouces (86 cm.).

Violon électrique Fender modèle "FV-3" basé sur la version de 1969, Corona, après 1999.
En 1958, Fender produisit un très petit nombre de violons électriques, mais dans ce domaine aussi, il n'était pas non plus le premier. Les violons électriques sont déjà arrivés sur le marché dans les années 1930 et 1940, fabriqués par des sociétés telles que Electro Stringed Instrument Corporation, National et Vega. La tentative de Fender de lancer un violon à corps solide n'était pas un succès, ce qui a conduit d'autres fabriquants à tenter de combler le vide. Ce n’est qu’à la fin des années 60 – avec l’essor de la musique rock et des pionniers de la guitare électrique comme Jimi Hendrix – que le violon électrique a commencé à engendrer ses premiers véritables héros du pop. Sur l'album "Hot Rats" de Frank Zappa en 1969, le violoniste Don "Sugarcane" Harris sur le morceau "Willie the Pimp" a prouvé que le violon pouvait effectivement s'intégrer dans le domaine du rock. Cette année-là, Fender, alors racheté par CBS, réédite à nouveau le violon électrique (avec un bouton de sangle !), jusqu'en 1975. En 1999, la société Fender a de nouveau relancé le violon électrique, mais l'instrument était alors très différent du modèle original de Leo Fender.

3. La société Gibson
Des travaux révolutionnaires ont été effectués aux usines Gibson à Kalamazoo près du lac Michigan. Orville Gibson lui-même a déjà introduit un certain nombre d'innovations au début du 19ème siècle, ainsi que, après lui plusieurs employés de la société.

Les innovations dans la construction des guitares, mandolines et banjos
Les succès de Gibson avant la Seconde Guerre mondiale étaient basés sur les inventions d’Orville Gibson lui-même et de collaborateurs tels que le designer Lloyd Loar. Les innovations ne se rapportaient pas seulement à la guitare, mais aussi à la mandoline et au banjo. Gibson est resté un leader dans le secteur des instruments à cordes tout au long de l'entre-deux-guerres. Pour la guitare et la mandoline l'inspiration a surtout été tirée de la lutherie du quatuor. Pour le banjo un système particulier de tendre la peau sur les anneaux et de fixer le résonateur a été développé. On a également mené des expériences dans le domaine de l'amplification utilisant l'électricité. Les principaux guitaristes de jazz d'avant-guerre comme Charlie Christian se servaient de guitares électrifiées fabriquées par Gibson.

Gibson modèle Les Paul "Goldtop" 1956 (réplique), Kalamazoo c. 2015.
Dans sa recherche d’une guitare électrique qui ne provoque pas de feedback, Lester Polsfuss, alias Les Paul, expérimente début des années 1940 avec son "Log" :  deux moitiés d’un vieil Epiphone attaché de part et d’autre d’une pièce centrale massive. Il présenta son idée auprès de la direction de Gibson, qui à cette époque a ridiculisé le concept et rejeté le prototype. Six ans plus tard, le respectable conseil d'administration a quand même pris le risque de démarrer la production d'un "solid body". Le nouveau  Fender "Telecaster" avait creé une petite tempête dans le monde de la guitare, prouvant que la vision solide de Les Paul n’était pas aussi ridicule que Gibson ne le pensait au départ. Par conséquence, en cette même année 1951, une équipe Gibson a commencé à travailler sur ce qui allait devenir le modèle Les Paul, avec la contribution et l'approbation de Les Paul lui même. Gibson souhaitait un instrument à la hauteur de sa réputation de fabricant d'instruments haut de gamme. Un corps en acajou avec une seule découpe était recouvert d'une table en érable avec une couche dorée étincelante, d'où le surnom de "goldtop". Les micros étaient du type "P90" et le cordier en trapèze était similaire à celui utilisé sur les guitares de jazz de Gibson de l'époque. Ce dernier fut bientôt remplacé par un chevalet "stop tail" avec des goujons vissés dans la caisse. Avec les Telecaster et Stratocaster de Fender, la "Les Paul" fut l'une des premières guitares électriques à corps solide produites en série. Elles ont depuis été présentées dans de nombreuses variantes différentes, et en raison de leur polyvalence, elles ont été et sont toujours maintenant utilisées dans un large éventail de genres musicaux.


Quatrième partie (à droite dans la salle du 1er étage): Recherche de plus de volume sonore

1. Technique de jeu et type de cordes
La tendance à augmenter le volume sonore des guitares vient principalement des États-Unis.  On veut pouvoir rivaliser avec les instruments à vent et les percussions, ou tout simplement mieux se faire entendre par un public plus large.

Une collection de médiators, 1925-1970.
A la fin du XIXe siècle, l'écaille de tortue de mer devient plus populaire que la plume comme matériau pour les médiators. Cependant, elle était rare, chère et avait tendance à se briser. Tony D'Andrea et son père Luigi ont découvert que le celluloïd était parfait pour la remplaçer. Des années 1920 aux années 1950, "D'Andrea Manufacturing" allait dominer le marché international des mediators.  Cette manufacture fournissait aux plus grands fabricants, tels que Gibson, Fender et Martin, développant plus de 50 formes. Certains exemplaires sont encore utilisés aujourd'hui. Le "351" par exemple était associé à Nick Lucas, le chanteur et guitariste du début du XXe siècle qui a été le premier à populariser le médiator. A partir des années 1950, le quasi-monopole de D'Andrea était brisé et vers le milieu des années ‘60, des plectres en nylon plus durables étaient développés presque simultanément par Herco, ainsi que par un nouvel acteur sur le marché: Jim Dunlop.

Les cordes en métal remplacent les cordes en boyeau
Les cordes en acier étaient déjà utilisées sur les guitares à la fin du 19e siècle. L'acier offrait un matériau uniforme et cohérent qui pouvait être tiré à très haute tension sans rupture. Du coup, le facteur limitant pour les instruments n’était plus les cordes, mais les instruments eux-mêmes. Il fallait désormais renforcer les instruments pour résister aux nouvelles tensions créées par les cordes en acier. C’est la principale raison pour laquelle Orville Gibson a développé la guitare archtop. Un catalogue Gibson de 1903 indiquait que vous deviez préciser si la guitare que vous commandiez serait utilisée avec des cordes en acier ou en boyau. Les nouvelles guitares pourraient accepter des cordes lourdes et produire des sons plus forts – même suffisamment chargés pour rivaliser avec les banjos et les vents. Pendant la Première Guerre mondiale, l'approvisionnement des cordes en boyau importés aux Etats Unis a été interrompu. Désormais, les manches de guitare devaient résister aux nouvelles cordes à tension plus élevée sans se déformer avec le temps. Thaddeus McHugh de la Gibson Guitar Company a résolu ce problème en 1921 avec le développement du truss rod réglable en acier – une tige en acier filetée placée dans le manche pour contrer la tension des cordes. Ensuite, les fabricants de cordes ont commencé à se concentrer sur l'évolution des alliages de cordes pour produire une durée de vie plus longue et un meilleur son, certains développés pour les guitares électriques, d'autres pour les qualités sonores acoustiques. Dès lors, la guitare supplante progressivement le banjo et la mandoline.

2. Guitares de jazz, 12-cordes et grandes caisses de résonance
Les cordes métalliques ont obligé les constructeurs à utiliser de nouvelles techniques pour résister à la pression plus élevée des cordes. Des caisses de résonance plus grandes et le doublement des cordes s'inscrivent dans cette tendance innovante.

Fond inachevé en érable ondé, sortant des usines de Gibson, Kalamazoo vers 1935.
Orville Gibson expérimentait avec des tables et fonds voûtés taillés dans la masse depuis le début du siècle. Ses successeurs dans les usines Gibson ont appliqué encore plus d’éléments de la fabrication du violon à la guitare et à la mandoline: chevalets lâches, cordiers séparés et trous sonores en forme de ff. Cela mênera au developpement de la guitare typique de jazz, bien que les "archtops" seront utilisés dans plusieurs genres musicaux: country, blues, gypsy swing etc.  Le principal atout de la guitare archtop était son gros volume sonore.

George Houghton modèle "Reliance", Birmingham vers 1930.
La société Gibson a sorti un certain nombre de modèles archtop à succès dans les années vingt et trente, comme les "L5 et L50". Bientôt, ils furent copiés par d’autres fabricants aux États-Unis et à l’étranger. Cette guitare britannique s'inspire clairement des modèles moins chers "L30" et "L37" de Gibson, illustrant ainsi le succès des guitars de jazz en dehors des États-Unis. Bien que moins soigné que son modèle d’origine, il s’agit toujours d’une alternative intéressante pour un guitariste qui n’a pas les moyens de s’offrir une vraie Gibson. George Houghton a établi sa Reliance Works à Birmingham en 1888. Ses banjos et guitares bon marché, de bonne facture, sous la marque "Reliance" entre 1933 et 1956, se sont bien vendus.  Si rapidement que son usine s’est agrandie et a pris le nom de G. Houghton & Sons. Ils ont maintenu un catalogue d'instruments avec lequel de nombreux détaillants et grossistes composaient leurs propres catalogues. En 1962, George Houghton junior décida de fermer ses portes.

Guitare Oscar Schmidt à 12 cordes, Chicago vers 1930.
Des caisses de résonance plus grandes et le doublement des cordes ont également contribué à obtenir un son plus complet. Ici, nous voyons les deux phénomènes rassemblées en une seule guitare. Déjà à la fin du XIXe siècle, des expériences ont conduit à l’arrivée de la guitare à 12 cordes, mais il faut attendre les années 1920 et 1930, pour que plusieurs "bluesmen" favorisent ce type de guitare.  Le joueur le plus célèbre de cet instrument était le chanteur de blues Huddie William Ledbetter (1888-1949), mieux connu sous le nom de "Leadbelly". Plusieurs groupes ont repris son travail, dont Creedence Clearwater Revival et Nirvana. Depuis, les douze-cordes ont été utilisés maintes fois dans la musique pop.

3. Guitares à résonateur
 C’est vers 1929, l’année du krach boursier, que les guitares à résonateur arrivent sur le marché. Trois types principaux émergent: une guitare avec un cône en aluminium tourné vers l’extérieur ou vers l’intérieur, ou une avec trois cônes plus petits.

Résonateur "Tricone" avec trois petits cônes reliés les uns aux autres.
Plusieurs hommes qui, quelques années plus tard, seront  au berceau de la guitare électrique ont participé également à la création de la guitare à résonateur: George Beauchamp et Adolph Rickenbacher. (La marque s’épellera plus tard ‘Rickenbacker’).  Le guitariste George Beauchamp, qui avait du mal à se faire entendre, a pris contact avec John Dopyera, un immigrant tchèque avec qui il a collaboré à Los Angeles sur les moyens de rendre les guitares hawaïennes plus sonores et le résultat a été le Tricone introduit en 1927. Rickenbacher, qui vivait pas loin de Dopyera et qui possédait l'une des plus grandes presses d'emboutissage profond de la côte ouest, a aidé à fabriquer des caisses de résonance métalliques pour les guitares National. Le corps comportait trois résonateurs coniques en aluminium reliés par une barre en aluminium en forme de T qui soutenait le pont. Leur tonalité est complexe, douce et résonne longtemps.

Résonateur avec cône du type "spider", généralement associé au nom de marque "Dobro".
En 1928, Dopyera quitte National pour former la "Dobro Manufacturing Company" avec ses quatre frères, "Dobro" étant une contraction de Dopyera. Ils ont sorti une guitare à résonateur concurrente avec un seul résonateur qui présente sa surface concave vers le haut, et qui peut être décrit comme "cône à araignée".  En effet :  il y avait, par-dessus, une grille en aluminium avec 8 ‘pattes’ sur lequel le chevalet reposait au centre. Ce système était moins cher à fabriquer et produisait plus de volume sonore que le Tricône de National. Au fil du temps, le mot "dobro" est devenu une marque générique utilisée pour désigner toute guitare à résonateur. Les corps des guitares sont généralement en bois. Les matériaux du corps et le type de résonateur influencent le son, mais le manche est encore plus fondamental. Vous avez deux choix principaux : les instruments à manche rond, conçus pour être joués comme des guitares conventionnelles, et les modèles à manche carré qui se jouent comme un lap steel: sur les genoux. Les Dobros sont généralement utilisés pour le bluegrass. Ils résisteront à une tension de corde plus élevée, ce qui permet d'utiliser des cordes de bluegrass vraiment grosses et un accord ouvert "dobro G". Le son est doux et chantant, avec une bonne projection et un ton concentré.

Résonateur avec cône "biscuit", généralement associé à "National".
National a contré le Dobro avec son propre modèle à résonateur unique, que Dopyera lui même avait conçu avant de quitter l'entreprise. Ils ont également continué à produire le modèle Tricône, que de nombreux joueurs préféraient pour sa tonalité. Les nouveaux modèles à résonateur unique utilisaient un biscuit en bois au sommet du cône pour soutenir le pont. À ce stade, les deux sociétés se procuraient de nombreux composants auprès d'Adolph Rickenbacher, notamment les cônes en aluminium.
Les guitares à cône unique non inversé avec un pont en biscuit ont été particulièrement appréciés des joueurs de blues, surtout les modèles à corps métalliques. Après de nombreuses actions en justice, les frères Dopyera prirent le contrôle de National et de Dobro en 1932, puis les fusionnèrent dans la "National Dobro Corporation". Cependant, ils ont arrêté toute production de guitares à résonateur après l’entrée des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale en 1941.

4. Les premiers amplis et guitares électriques
La guitare électrique n’a pu réellement se développer que lorsque les amplificateurs ont pu produire suffisamment de son. Autrement dit, cette évolution n'a été possible qu'à partir du moment que les amplificateurs sont devenus plus efficaces.

Maquette d’un projecteur de film "Keystone" des années 1930.
Dans les années 1920, il était très difficile pour un guitariste équipé d'un micro de trouver un amplificateur et un haut-parleur pour rendre son instrument plus puissant. Les premiers amplificateurs ne pouvaient être alimentés qu’avec de grosses batteries lourdes. La gamme de fréquences des haut-parleurs était limitée et la puissance acoustique était faible. Fin des années 1920, les ingénieurs ont développé les premiers amplificateurs alimentés sur secteur quand le film parlé est né. Mais les grands systèmes de sonorisation pour salles de cinéma étaient très volumineux et très coûteux.  Après 1927, des systèmes de sonorisation plus petits et portables alimentés par le secteur, pouvaient être branchés sur une prise murale ordinaire. Ces systèmes "Public Adress" (PA) sont rapidement devenus populaires auprès des musiciens. Il ne fallut pas longtemps avant que le premier amplificateur de guitare proprement dit soit fabriqué, et grâce à lui, il devient possible de donner à la guitare électrique une place stable sur le marché.

Stromberg-Voisinet "faux-resonator", Chicago, vers 1928.
Un titre intrigant du journal "The Music Trades", daté du 20 octobre 1928, annonçait le lancement de la première guitare dotée d'un element électrique. Contrairement aux inventions précédentes, les instruments Stromberg-Voisinet ont été développés en un produit commercial destiné au grand public. Le micro a été intégré dans une guitare à faux résonateur comme celle-ci, fabriquée par Stromberg-Voisinet même (prédécesseur de Kay). Le catalogue de 1929 déclare : "Le son de ces instruments est amplifié plusieurs fois, grâce à un capteur magnétique intégré à l’instrument qui capte les vibrations directement de la table d’harmonie".
Ce ne fut pas un succès. L'ampli avait un faible volume de sortie et la gamme tonale des pavillons, comparée aux hauts-parleurs à diaphragme désormais courant, était limitée. En plus ces premières unités étaient lourdes, coûteuses et parfois même dangereuses.

Guitare de salon avec "pickup" électromagnétique, vraisemblablement un prototype de Oscar Schmidt, Chicago vers 1934.
Plus tard que la concurrence, Oscar Schmidt a tenté sa chance à contrecœur dans le monde de la guitare électrique. Cette expérience sans enthousiasme, dans laquelle une guitare ordinaire à table plate était équipée d'un micro "horeshoe" très similaire à celui développé par Beauchamp et Rickenbacher, ne s'est pas avéré être un succès, d'autant plus que des constructeurs tels que Gibson et National ont rapidement lancé des guitares électriques archtop de qualité.
La Gibson ES-150, introduite en 1936, est généralement reconnue comme la première guitare électrique de "style espagnol" à succès commercial (c.à.d. avec un profil de manche arrondi). Dès ses débuts, elle est immédiatement devenue populaire auprès de guitaristes de jazz aussi remarquables que Charlie Christian, répandant ainsi sa renommée.

5. La guitare électrique est arrivée à maturité
Dans les années 1950, après les expérimentations de Gibson, Fender et autres, la guitare électrique perce véritablement dans le grand public et ne quitte plus cette place. De grandes stars ont servi de modèles lors des grands festivals et concerts de la fin des années 1960 et leur exemple a été suivi avec enthousiasme.

L'anatomie et le fonctionnement de la guitare électrique: guitare et ampli en plexi.
Les parties principales de la guitare:
-La tête contient les accordeurs et les guides cordes. - Les accordeurs permettent de régler la tension d'une corde afin obtenir l'accordage souhaité.- Les guides de cordes améliorent la stabilité de l'accordage en guidant les cordes vers le sillet. -Le sillet a pour rôle de guider et maintenir en place les cordes de la guitare. Il détermine la hauteur des cordes par rapport à la touché. -Le manche est une longue pièce de bois reliant la tête de la guitare à son corps. -La touche est une pièce de bois longue et fine qui est collée au manche et dans laquelle sont insérés les frettes et les points de référence. C'est sur cela que reposent les doigts du guitariste lorsqu'il joue. - Le "truss rod" est une tige d'acier incorporée dans le sens de la longueur dans le manche et qui sert à ajuster la courbure du manche. -Le corps d’une guitare électrique peut prendre un très grand nombre de formes. Après tout, les guitares électriques produisent principalement leur gamme de sons via des microphones et un amplificateur. -Le pickguard est tout simplement la plaque qui protège le corps de la guitare des coups d’ongles et des mediators et sur laquelle sont montés les micros, les potentiomètres et le sélecteur de micros. -Le "pickup" ou capteur électrique convertit les vibrations des cordes métalliques en un signal électrique. L'amplificateur intervient ensuite pour amplifier le signal électrique avant qu'il ne soit reconverti en vibration par le haut-parleur. -Le sélecteur de micros vous permet de contrôler les différents micros individuellement ou de les combiner pour une variété de tonalités. -Les potentiomètres sont des boutons de réglage qui peuvent modifier le volume ou la tonalité de l'instrument. -Le chevalet, avec le sillet, détermine la longueur totale des cordes vibrantes. -Certaines guitares électriques disposent d'un bras de vibrato permettant de changer la tension pour que la hauteur des notes puisse varier. -Les boutons de courroie vous permettent d'attacher une sangle à la guitare.

Guitar heroes.
Vers 1950, la guitare "Solid Body" a été commercialisée par Fender et Gibson. Le "feedback", boucles sonores qui surviennent parce que les vibrations des haut-parleurs sont amplifiées à nouveau via le micro de la guitare, est largement neutralisé par la caisse de résonance pleine.
Ces guitares électriques avec caisses de résonance pleines deviendront particulièrement populaires auprès du grand public dans les années à venir. Des "guitar heroes" tels que Jimi Hendrickx et Eric Clapton contribuent à cette évolution.

Rickenbacker modèle "325", réplique vers 1995.
Au début des années 1960, l'histoire des Rickenbackers est devenue à jamais liée aux Beatles, qui en utilisaient plusieurs modèles. Cette histoire d'amour a commencé en 1959, lorsque Lennon a vu le guitariste Jean "Toots" Thielemans jouer sur une Rickenbacker. L'année suivante, alors qu'il était à Hambourg, il s'acheta un "natural blond model 325" avec un vibrato. Au début de 1964, Rickenbacker lui fournit un nouveau 325, mis à jour en pensant à Lennon. Le nouveau 325 de Lennon était peint en noir avec un pickguard blanc à double couche, un bouton de réglage de balance extra, un vibrato "Ac'cent" amélioré et un corps Jetglo semi-creux plus mince avec une table solide, un diapason court de 20,75 pouces (53 cm.) et des incrustations de touches en points. Lennon a rapidement adopté cette guitare comme instrument principal. À un moment donné, il a plié le bras du vibrato, probablement parce qu’il l’encombrait. Lorsque ce modèle est entré en production, il s'est vendu environ 400 £. Aujourd'hui, un 325 jetglo de 1964 peut être acquis pour 20 000€ en moyenne.

Höfner modèle "500/1", Bubenreuth 1964.
Bien que les Beatles aient également joué sur des guitares américaines, y compris Rickenbacker et Epiphone, ils aimaient utiliser des instruments européens, surtout au début de leur carrière. Paul Mc Cartney est actuellement encore associé à sa basse "violon" Höfner. McCartney a acheté sa première Höfner "500/1" parce qu'elle était bon marché, près de 200 dollars de moins qu'une basse Fender à l'époque. Bientôt  il découvre les avantages de l'instrument: il était léger, facile à jouer, sonnait bien et avait une belle apparence même lorsqu'il était tenu dans la position "à l'envers", comme il le faisait en tant que joueur gaucher. Pour des raisons de marketing, le modèle 500/1, conçu en 1955, était à l'origine appelé "basse violon". Cependant, le corps ressemble à une viole d'amour sans ouïes en raison de la faible hauteur des éclisses, des coins droits et des épaules inclinées. Quoi qu'il en soit, il est construit avec des bois et des méthodes de construction proches de ceux utilisés par les facteurs de Höfner quand ils produisaient des violons. L'instrument était destiné aux contrebassistes à la recherche d'un instrument plus portable. Il est en effet très léger et facile à jouer, grâce à son diapason court, à sa construction à corps creux et à ses caractéristiques similaires à celles d'une contrebasse. Lorsqu’on souhaite des basses profondes et entraînantes, l’emblématique "500/1" est un bon choix.

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